The Body of an American

Nel miglior stile joyciano, si tratta di uno studio del carattere di un uomo defunto, visto attraverso gli occhi dei suoi parenti in lutto. Non è solo un testo superbo e cinematografico, ma un vero e proprio capolavoro musicale. Il testo inizia con le Cadillac, auto americane presenti in Irlanda, ambite dai “tinkers” locali – i nomadi irlandesi.

Un narratore senza nome ha attraversato l’Atlantico e si ritrova nel bel mezzo di una veglia funebre irlandese. Le conversazioni vagano a ritroso sulla sua vita, mentre il whisky fa scorrere il sangue e la musica si fa sempre più vivace. Parlano del trattamento ingiusto che gli riservavano i nativisti, di come dovesse ribadire di essere americano proprio come tutti gli altri – «Sono un uomo nato libero negli Stati Uniti» – prima di colpirli con un ben meritato pugno. Jim Dwyer è diventato campione dei pesi massimi a Pittsburgh, ma in una rissa da bar con un tizio italiano di bassa statura, «Tiny Tartanella», non è riuscito ad andare fino in fondo. Dwyer ha cercato di evitare la coscrizione, essendo campione e tutto il resto, ma la corruzione del mondo della boxe americana degli anni ’30 ha fatto sì che partisse per combattere i fascisti.

Dopo la guerra, Big Jim Dwyer è di nuovo il campione trionfante in America. «Sono un uomo nato libero negli Stati Uniti» non era più, a quel punto, una dichiarazione rabbiosa rivolta ai razzisti, ma l’orgoglio di un uomo che aveva trovato il proprio posto. «Stamattina al porto / Quando ti ho detto addio», il narratore sta lasciando ancora una volta la patria, pieno di whisky e di malinconia.

“Addio, ora che te ne vai / Non c’è più nulla da dire / Se non dire addio / Ai tuoi occhi blu / Come l’acqua della baia” è un verso che potrebbe essere frainteso come espresso dal punto di vista di Dwyer, ma non è così: è il narratore che saluta chi se n’è andato sulla nave che torna in Amerikay.

«Sono un uomo libero degli Stati Uniti» non è detto con rabbia né tantomeno con orgoglio a questo punto, ma come un elogio funebre: le parole, il motto del defunto, riecheggiano nelle orecchie del narratore mentre tornano in barca a Pittsburgh. Qualunque cosa abbiano potuto affermare i bigotti, la risposta definitiva sta nel titolo della canzone. Ciò che fu sepolto sulle rive d’Irlanda era il corpo di un americano. L’outro strumentale è il canto funebre, il lamento per la perdita di un amico e la celebrazione di una vita piena.

Pubblicata nel 1986 sul EP "Poguetry in Motion".

 

La Cadillac era ferma vicino alla casa

E gli americani erano dentro

E i ragazzini vagabondi sussurravano consigli:

«Fai partire l’auto a freddo con uno spillo»

Poi ci voltammo e tremammo mentre davamo un’occhiata

Alla stanza dove giacevano i morti

Così il grande Jim Dwyer fece il suo ultimo viaggio

Verso le rive dove riposa suo padre

 

Ma quindici minuti dopo

Assaggiammo il nostro primo sorso di whisky

C'erano zii che tenevano lezioni

Sulla storia antica d'Irlanda

Gli uomini cominciarono tutti a raccontare barzellette

E le donne si fecero vivaci

Alle cinque di sera

Ogni bastardo lì era fradicio di Whiskey

 

Addio, ora che te ne vai

Non c'è più nulla da dire

Addio ai ragazzi di New York City, a Boston e alla Pennsylvania

Li mise al tappeto con un colpo ben assestato

E spesso lo sentivamo dire

«Sono un uomo nato libero negli Stati Uniti»

 

Combatté contro il campione a Pittsburgh

E lo mandò al tappeto

Affrontò Tiny Tartanella

E durò solo un round

Non aveva mai tempo per i rossi

Né per il bere, né per i dadi, né per le puttane

E non ha mai perso un incontro di proposito finché l’incontro non era giusto

Così lo mandarono in guerra

 

Addio, se ne è andato

Non c’è più nulla da dire

Con un «Slainte Joe» e un «Erin go»

Il mio amore è in Ameri-kay

Il richiamo del rosario

Vino spagnolo da lontano

Sono un uomo nato libero negli Stati Uniti

 

Stamattina al porto

Quando ti ho detto addio

Ricordo come ho giurato

Che un giorno sarei tornato da te

E mentre il tramonto andava incontro alla sera sulla collina

Ti ho detto che ti avrei sempre amata

Ti ho sempre amata e ti amerò per sempre

 

 

 

Non c'è più nulla da dire

Se non dire addio ai tuoi occhi blu come l'acqua della baia

E al grande Jim Dwyer, l'uomo di guerra

Che spesso si sentiva dire:

«Sono un uomo nato libero negli Stati Uniti

«Sono un uomo nato libero negli Stati Uniti

«Sono un uomo nato libero negli Stati Uniti»

Cumberland Gap

Il testo racconta la storia di un uomo che lascia la propria casa per affrontare il pericoloso viaggio attraverso il Cumberland Gap — un valico dei Monti Appalachi utilizzato dai nativi americani, dai pionieri e dai coloni.

Una prima canzone con questo titolo risale alla seconda metà del XIX secolo e fu pubblicata per la prima volta nel 1924. David Rawlings, insieme alla sua partner musicale Gillian Welch, ha scritto e registrato una canzone originale - con lo stesso titolo - ispirata al brano tradizionale, per il suo album del 2017 "Poor David's Almanack".

Cumberland Gap, è un valico infernale

Cumberland Gap, è un valico infernale

 

Baciami, mamma, bacia il tuo ragazzo

Benedicimi e augurami buona fortuna

Perché non tornerò finché non sarò di ritorno

Me ne vado nel vecchio Kentucky

Cumberland Gap, è un passaggio infernale

È quello che ti dicono tutti gli esploratori

Di sicuro potrebbe diventare dura

Se non ti uccide, ti ucciderà

 

Il Kentucky ti aspetta dall’altra parte

Ti farà venire la febbre, ti illuminerà gli occhi

 

Il fratello John se n’è già andato

Con una fanciulla Cherokee purosangue

Ha fatto il viaggio in preda alla bufera di neve

Preferirei lottare contro Satana

Il Cumberland Gap, un passaggio infernale

Oh, la neve continuava a cadere

L’ha caricata sulle spalle

Per Dio, amava quella donna!

 

Daniel si ergeva sulla roccia più alta

Guardando su e giù per la montagna

Prese il suo fidato vecchio fucile a pietra focaia

Daniel cominciò a gridare, a gridare:

 

Kentucky, lei ti aspetta dall’altra parte

Ti farà venire la febbre, ti riempirà gli occhi di luce

 

Cumberland Gap, è un passaggio infernale

Cumberland Gap, è un passaggio infernale

Cumberland Gap, è un passaggio infernale

Cumberland Gap, è un passaggio infernale

If I Should Fall From Grace With God

Dal disco omonimo del 1988. Il testo combina umorismo nero, sottintesi politici e immagini legate alla sepoltura, al fango e agli spiriti inquieti presenti nella canzone. Alcune interpretazioni collegano il testo al nazionalismo irlandese, alla lotta contro l’oppressione e al rifiuto del narratore di rinunciare alla propria anima o alla propria identità. L’espressione “coming up threes” si basa su un'antica credenza marinara secondo cui una persona che sta annegando galleggerebbe in superficie tre volte prima di morire definitivamente e sprofondare per sempre tra le onde.

Se dovessi cadere in disgrazia agli occhi di Dio

Dove nessun medico potrà soccorrermi

Se venissi sepolto sotto la terra

Ma gli angeli non mi accogliessero

 

Lasciatemi andare, ragazzi

Lasciatemi andare, ragazzi

Lasciatemi sprofondare nel fango

Dove tutti i fiumi si prosciugano

 

Questa terra è sempre stata nostra

Era la terra orgogliosa dei nostri padri

Appartiene a noi e a loro

Non a nessun altro

 

Lasciateli andare, ragazzi

Lasciateli andare, ragazzi

Lasciateli sprofondare nel fango

Dove tutti i fiumi si prosciugano

 

Seppellitemi in mare

Dove nessun fantasma assassinato possa perseguitarmi

Se dondolerò sulle onde

Allora nessun cadavere potrà giacere su di me

 

Si arriva al tre, ragazzi

Si arriva sempre al tre, ragazzi

Lasciateli sprofondare nel fango

Dove tutti i fiumi si prosciugano

 

Se dovessi cadere in disgrazia con Dio

Dove nessun medico potrà soccorrermi

Se fossi sepolto sotto la zolla

Ma gli angeli non mi accogliessero

 

Lasciatemi andare, ragazzi

Lasciatemi andare, ragazzi

Lasciatemi sprofondare nel fango

Dove tutti i fiumi si prosciugano

Your Saving Grace

“Your Saving Grace” è il titolo del quarto album della Steve Miller Band; il disco, pubblicato nel 1969, si avvale dell'importante contributo del pianista Nicky Hopkins. Il brano eponimo è stato scritto dal batterista Tim Davis.

“Your Saving Grace” racconta un percorso spirituale dalla disperazione alla redenzione attraverso la promessa del domani. Il narratore attraversa tormenti psicologici e un vuoto esistenziale prima di scoprire che la speranza stessa diventa la forza in grado di salvarlo.

Non si tratta di amore romantico o di relazioni umane, ma di trovare un senso quando la vita sembra priva di scopo e la mente si sente intrappolata. La frase «Trascorro la mia vita sul lato vellutato dell’inferno» rivela l’esistenza agiata ma tormentata del narratore, suggerendo che sia intrappolato in una bellissima prigione da lui stesso creata. Quando afferma «il silenzio è terribile, è più di quanto io possa sopportare», mette a nudo come l’isolamento e la quiete mentale diventino insopportabili quando si è alla ricerca di uno scopo che non si riesce a definire. La ripetuta affermazione che «domani, è la tua ancora di salvezza» trasforma il concetto astratto di possibilità futura in un’ancora di salvezza concreta, dimostrando come il semplice atto di credere nel domani possa strappare qualcuno dall’oscurità psicologica.

Osservando la folla invernale

Mentre navigo tra le quattro stagioni

Per unirmi ad alcune donne folli

In un gioco sulla riva

Nessuna di loro ha le ali spezzate

Eppure si rifiutano ancora di volare

Così, con dolcezza sulle labbra

Sorrido un ultimo addio

 

E ora trascorro la mia vita

Sul lato vellutato dell’inferno

Cercando qui senza meta

Ciò che non riesco a definire

Il silenzio è terribile

È più di quanto possa sopportare

Ma migliaia ora stanno lì a esultare

Mentre il mio sangue scorre sulla sabbia

 

[Parlato]: Non sei il bambino

Che pensavi di essere

Ti svegli di notte

E sai di essere cieco

Eppure continuano a spingere

Mettendo alla prova i meandri della tua mente

Per sempre, per sempre cercando di controllarti

Finché il vuoto del paradiso non accoglie la tua anima stanca

 

Alzati con le prime luci dell’alba

Senti il calore del sole sul tuo viso

Il domani ha fatto tanta, tanta strada per aiutarti

Sì, è la tua grazia salvifica

 

Ogni giorno, in ogni modo

Domani, è la tua grazia salvifica

Beh, ora non c’è tempo per preoccuparsi

Perché non ho tempo di affrettarmi

Piccola, è la tua grazia salvifica

Ora non dare la colpa a me

Non fare quei giochetti con me

Perché, tesoro, è la tua salvezza

Hai bisogno di un po’ d’amore

Ora, tesoro, è la tua salvezza

Ehi, mi sento bene

Sì, sì, sì, sì

La tua salvezza

Ah, ehi, ehi, ehi

La tua salvezza

La la la la la la la la....

Oh tesoro, è la tua salvezza

The Dreamer

Nel 1973 il pianista Nicky Hopkins, session man per moltissimi artisti, pubblica un album a suo nome: “The Tin Man is a Dreamer”.

 

Signore,

è terribile. Gesù, che solitudine. Me ne sto qui senza far nulla 

Sono sempre stato un sognatore 

A pensare a te. Ma cosa

posso fare? 

Non avevo nulla. Tu non avevi nulla 

Ma abbiamo ballato insieme. Che ballo 

Dato che sono sempre stato un sognatore

Ho corso il rischio e poi ti ho vista allontanarti danzando 

Cosa posso dire? Finisce sempre così 

Quando pensavo di aver trovato qualcosa

Sembrava semplicemente sfuggirmi... sfuggirmi

Sono sempre stato un sognatore, quindi ci riproverò

Non posso proprio lasciare che finisca

Oh, cosa potrei fare?

Se non vivere nei miei sogni con te

Le stelle lassù... il mondo sembra spingerti e allontanarti da me

Tesoro, tesoro, non lo vedi?

Questo è il mio piano. Voglio essere il tuo uomo

Spero davvero che tu capisca 

Dio, sono stanco 

Ehi, è inutile

Stare lì ad aspettare

Sono sempre stato un sognatore 

A sprecare il mio tempo. A sognare la mia vita con te

Sembra inutile. Ma vivo qui nei miei sogni... con te

Ah-h-h-h, Signore, è terribile

Signore, sono stanco

Inutile aspettare, aspettare te

Girare senza meta

Sognare te

Desiderare che tu sia qui. Desiderare, desiderare...

Sweet Evening Breeze

“Sweet Evening Breeze” è un brano del dodicesimo album di John Mellencamp, Human Wheels, pubblicato nel 1993.

 

Ero eccitato e un po’ triste

Lei era venuta in visita da Atlanta, in Georgia

Era venuta a trascorrere l’estate con suo padre

La trovavo molto carina

Ci baciavamo e ci tenevamo per mano

Ogni sera vicino al campo da football

Il suo corpo era abbronzato

Dai pomeriggi trascorsi alla piscina pubblica

 

Dolce brezza serale

Soffia tra i miei pensieri e i miei ricordi

Mentre oggi me ne sto qui sdraiato a bere il mio tè

Riesco ancora a vedere quella dolce brezza serale

 

L’ho vista in una caffetteria

In un grande hotel ad Austin, in Texas

Si era tagliata i lunghi capelli

E li aveva sostituiti con occhi blu colmi di tristezza

Si comportava ancora come se fossimo bambini

E mi disse che doveva sposarsi

E mi chiese se ricordassi ancora

 

Dolce brezza serale

Soffia tra i miei pensieri e i miei ricordi

Mentre oggi me ne sto qui sdraiato a bere il mio tè

Riesco ancora a vedere la dolce brezza serale

 

Quanto può essere ridondante il futuro

Questi giorni passati mi sembrano davvero, davvero ridicoli

Quando penso alle storie vere ormai svanite

E a come il tempo abbia la mano vincente

Lo capisco dalle rughe sui nostri volti

E i giovani non riescono a capire

Che quando guardano se stessi, in realtà guardano me

 

Oh, dolce brezza serale

Soffia tra i miei pensieri e i miei ricordi

Mentre oggi me ne sto qui sdraiato a bere il mio tè

Riesco ancora a vedere la dolce brezza serale

Wichita Lineman

“Wichita Lineman” è una canzone del 1968 scritta da Jimmy Webb per l'artista country americano Glen Campbell.  Ampiamente reinterpretata da altri artisti (tra cui recentemente Flea con Nick Cave), è stata definita “la prima canzone country esistenziale”. Bob Dylan l’ha definita «la più grande canzone mai scritta».

Webb scrisse “Wichita Lineman” in risposta alla richiesta telefonica urgente di Campbell di una canzone incentrata su un “luogo” o “geografica” che facesse seguito a “By the Time I Get to Phoenix”. L’ispirazione per il testo gli venne mentre guidava attraverso le alte pianure del Panhandle dell’Oklahoma, passando accanto a una lunga fila di pali del telefono, su uno dei quali era appollaiato un tecnico delle linee che parlava al ricevitore. Webb «si immaginò in cima a quel palo» con il telefono in mano, mentre immaginava il tecnico che parlava con la sua ragazza. Nonostante le sue radici nella vita reale fossero altrove, Webb ambientò la sua canzone a Wichita, in Kansas.

La canzone contiene due strofe, ciascuna divisa in due parti. La prima parte è in fa maggiore, mentre la seconda è in re maggiore. Il re rappresenta la tonalità minore relativa al fa, quindi ci si aspetterebbe una sezione in re minore (anziché in re maggiore).

La canzone contiene due strofe, ciascuna divisa in due parti. La prima parte è in fa maggiore, mentre la seconda è in re maggiore. Il re rappresenta la tonalità minore relativa al fa, quindi ci si aspetterebbe una sezione in re minore (anziché in re maggiore). Il testo segue la dicotomia creata dalle tonalità musicali contrastanti. La prima parte di ogni strofa (in Fa maggiore) descrive aspetti legati al lavoro di un operaio delle linee elettriche; ad esempio, «cercando sotto il sole un altro sovraccarico» e «se nevica, quel tratto a sud non reggerà mai lo sforzo». La seconda parte (in Re maggiore) descrive in dettaglio i pensieri romantici del tecnico delle linee elettriche; 

le progressioni armoniche malinconiche e venate di jazz di Webb, intrecciate con settime maggiori e quarte sospese, rafforzano la natura indeterminata della canzone modulando dal Fa maggiore al Re maggiore e viceversa senza mai risolvere completamente la tensione.

La canzone non torna mai più «a casa», ovvero alla tonica – né in nessuna delle strofe, né nel fadeout. Questa splendida impostazione musicale suggerisce in modo subliminale ciò che il testo suggerisce poeticamente: il viandante solitario che rimane sospeso in cima a quel palo del telefono sullo sfondo di quel desolato paesaggio di prateria, desiderando ardentemente la propria casa.

Sono un tecnico delle linee elettriche della contea

E percorro la strada principale

Alla ricerca, sotto il sole, di un altro sovraccarico

Ti sento cantare attraverso il cavo

Ti sento nonostante il ronzio

E il tecnico delle linee di Wichita è ancora in servizio

 

So che ho bisogno di una breve vacanza

Ma non sembra che pioverà

E se nevicasse, quel tratto a sud non reggerebbe mai lo sforzo

E ho bisogno di te più di quanto ti desideri

E ti voglio per sempre

E il tecnico di Wichita è ancora in linea

 

E ho bisogno di te più di quanto ti desideri

E ti voglio per sempre

E il tecnico di Wichita è ancora in linea

Junco Partner

È una canzone blues registrata per la prima volta dal cantante americano di rhythm and blues James Wayne nel 1951. Nel corso di diversi decenni è stata registrata e reinterpretata da molti altri artisti, tra cui Louis Jordan, Michael Bloomfield, Dr. John, Professor Longhair, James Booker, Hugh Laurie e i Clash.

La registrazione di James Wayne rese popolare la canzone, sebbene fosse già ampiamente conosciuta tra i musicisti di New Orleans e altrove come «l’inno dei tossici, delle prostitute, dei protettori e dei detenut. Era una canzone che si cantava ad Angola, la colonia penale statale, e il ritmo era persino noto come «jailbird beat» (dalle note del disco «Gumbo» di Dr. John).

Nel libro *JUNKY* di William Burroughs, è presente un riferimento alla prigione di Angola, situata in Louisiana, citata anche nel testo della canzone.  «Junco» si riferisce a «Junky» o «Junk», gergo dei primi anni del Novecento per indicare eroina, morfina o qualsiasi oppiaceo in generale. «Loaded» era spesso usato per riferirsi a chi era in preda a una «crisi da droga», nel senso che si era appena fatto una dose di eroina. Il libro stesso è una descrizione approfondita della vita da tossicodipendente, e ci sono molti altri parallelismi tra questa canzone e il libro. L’idea di impegnare oggetti per pagarsi la droga è ricorrente, così come il lavoro nei campi, che sembrava avere un effetto terapeutico nel superare la «malattia», ovvero i sintomi di astinenza da droga.

 

Lungo la strada arrivò un Junco Partner

Perché era completamente fuori

Era completamente fuori di sé

Barcollava per tutta la strada

Cantando: “Sei mesi non sono una condanna”

E “Un anno non è niente”

Sono nato ad Angola

Dove sto scontando da quattordici a novantanove anni

 

Beh, vorrei avere un milione di dollari

Oh, un milione tutto mio (tutto mio)

Alleverei bestiame e direi: «Cresci per me, piccolo»

Mi farei una piantagione di tabacco

Fai una passeggiata, fai una passeggiata

Junco Partner

Ehi, non darmi fastidio

Così

Proprio così

 

Beh, quando avevo un bel po’ di soldi

Sì, avevo cose davvero fantastiche in tutta la città

Ora non ho più soldi

Tutti i miei cari amici continuano a umiliarmi

Quindi ora devo impegnare il mio cricchetto e la mia pistola

Sì, impegnerò il mio orologio e la catena

Avrei impegnato la mia dolce Gabriella

Ma quella ragazza intelligente non ha voluto firmare

 

Lungo la strada, lungo la strada

È arrivato un Junco Partner

Ragazzi, era il più ricco che avessi mai visto

Era completamente fuori di sé, fuori di sé, oh mio Dio, oh mio Dio, oh mio Dio, oh mio Dio

Barcollava per tutta la strada, quindi

Fai una passeggiata

Non riesco a camminare

 

Lungo la strada è arrivato un Junco Partner

«Ehi, signore»

Mi ha chiamato

E sono state tre le cose che ha gridato

Cantando, cantando, strimpellando

Devo beccarti con l’oro

Oh!

Junco Partner

 

Beh, sono a terra, sì, mi sta venendo sete

Versami una birra davvero buona quando sono assetato

Dammi, dammi del whisky, quando ho sete

Dammi una lapide quando morirò

Lungo la strada

Gary Gilmore's Eyes

“Gary Gilmore's Eyes” è un singolo della band punk rock The Adverts. Il disco raggiunse il diciottesimo posto nella classifica dei singoli del Regno Unito nel settembre 1977.

Il brano è stato scritto dal punto di vista di un paziente che ha appena subito un trapianto di occhi e scopre di aver ricevuto gli occhi di Gary Gilmore, un duplice assassino giustiziato. Gilmore aveva chiesto che i suoi occhi fossero donati alla scienza dopo la sua esecuzione, poiché «probabilmente sarebbero stati l’unica parte del corpo utilizzabile». Dopo l’esecuzione di Gilmore, diverse parti del suo corpo furono in effetti prelevate per un possibile utilizzo a fini di trapianto o di studio. Le sue cornee furono utilizzate per dei trapianti.

Sono disteso in un ospedale,

sono immobilizzato sul letto.

Uno stetoscopio sul mio cuore,

una mano sulla mia testa.

Mi stanno togliendo le bende.

Sussulto alla luce.

L’infermiera sembra preoccupata,

e trema di paura...

 

Sto guardando attraverso gli occhi di Gary Gilmore.

 

I medici mi evitano.

La mia vista è confusa.

Ascolto le cuffie,

E coglio il telegiornale della sera.

Un assassino è stato ucciso,

E dona la sua vista alla scienza.

Sono rinchiuso in un reparto privato.

Mi rendo conto che devo stare...

 

Guardando attraverso gli occhi di Gary Gilmore.

Guardando attraverso gli occhi di Gary Gilmore.

 

Rompo la lampada per la rabbia.

Spingo il mio letto contro la porta.

Chiudo gli occhi,

e desidero non vedere più nulla.

L’occhio riceve i messaggi,

e li invia al cervello.

Non c’è alcuna garanzia che gli stimoli vengano percepiti allo stesso modo...

quando si guarda attraverso gli occhi di Gary Gilmore.

Gary non ha bisogno dei suoi occhi per vedere.

Gary e i suoi occhi si sono separati

If I Needed You

“If I Needed You” è una canzone scritta da Townes Van Zandt e inclusa nel suo album del 1972 *The Late Great Townes Van Zandt*. Nove anni dopo è stata reinterpretata in duetto dagli artisti di musica country americani Emmylou Harris e Don Williams.

Secondo la leggenda, e secondo quanto riferito dal produttore Kevin Eggers, la canzone è stata scritta per sua moglie Anne. Nel tipico stile di Townes, il linguaggio è semplice e chiaro, ma il suo inconfondibile modo di esprimersi rende il tutto davvero unico; vedi ad esempio il verso «Ti perderai l’alba se chiudi gli occhi / E questo mi spezzerebbe il cuore in due». Townes ha rivelato più volte nelle interviste di aver scritto questa canzone sotto l’effetto dello sciroppo per la tosse a base di codeina. Mentre era affetto dall’influenza, ebbe vividi sogni febbrili causati dagli effetti della codeina e, in uno di quei sogni, sognò di esibirsi davanti a una folla, e questa era la canzone che stava suonando. Si svegliò, scrisse la canzone e tornò a dormire.

Beh, se avessi bisogno di te

Verresti da me?

Verresti da me

Per alleviare il mio dolore?

Se tu avessi bisogno di me

Io verrei da te

Attraverserei i mari a nuoto

Per alleviare il tuo dolore

 

Beh, nella notte desolata

Oh, nasce il mattino

E il mattino risplende

Delle luci dell’amore

E ti perderai l’alba

Se chiudi gli occhi

E questo spezzerebbe

Il mio cuore in due

 

Beh, se avessi bisogno di te

Verresti da me?

Veresti da me?

E leniresti il mio dolore?

Se tu avessi bisogno di me

Verrei da te

Attraverserei i mari a nuoto

Per lenire il tuo dolore

 

La signora è con me ora

Da quando le ho mostrato come

Deporre la sua mano

Di giglio nella mia

Loop e Lil sono d’accordo

È uno spettacolo da vedere

Un tesoro perché

I poveri lo trovino

 

Beh, se avessi bisogno di te

Verresti da me?

Verresti da me

A lenire il mio dolore?

Se tu avessi bisogno di me

Verrei da te

Attraverserei i mari a nuoto

Per lenire il tuo dolore

Not Your Fault

“Moonhead” è il secondo album in studio dei Thin White Rope, pubblicato nel 1987. “Not Your Fault” apre il disco: la canzone inizia con suoni di batteria potenti e lucidi, seguiti da un riff chitarristico ipnotico, e da un basso ossessivo, su cui Guy Kyser interviene con la sua voce roca e grezza, cantando di un personaggio folle ossessionato da una femme fatale peccaminosa.

 

So che sei confuso e vuoi dare un nome a tutto ciò che vedi

Ma guardala quando viene alle feste, raggiante come al terzo grado

Non è colpa tua, non è affatto colpa tua

Vuole solo che tu ti unisca alla sua caduta

 

Più la vedi, meno è probabile che emerga qualcosa di te

Da qualunque buco ti nasconda mentre ti perquisiscono le mani

Non è colpa tua, non è affatto una colpa

Vuole solo che tu ti unisca alla sua caduta

 

Non è che ti odiasse perché pensava che fossi puro come un mormone

Ma dovresti capire che non le piaci, e non è niente che le droghe possano curare

Non è colpa tua, non è affatto colpa tua

Vuole solo che tu ti unisca alla sua caduta

 

Stories We Could Tell

Una canzone scritta da John Sebastian e pubblicata dagli Everly Brothers nel 1972. Sebastian pubblicò la sua versione nel 1974 sul disco “Tarzana Kid”. La versione di Tom Petty è del 1975.

 

Sto parlando di nuovo da solo

Mi chiedo se questo viaggiare sia una buona cosa

C'è forse qualcosa di meglio che potremmo fare, se potessimo?

E oh, quante storie potremmo raccontare

E se tutto questo andasse a rotoli e finisse all’inferno

Riesco ancora a immaginarci seduti sul letto di qualche motel

Ad ascoltare le storie che potremmo raccontare

 

Ricordi quella chitarra in un museo del Tennessee

E la targhetta sul vetro mi ha riportato alla mente venti melodie

E i graffi sulla superficie

Raccontavano di tutte le volte che è caduto

Cantando ogni storia che potesse raccontare

E oh, le storie che potrebbe raccontare

E scommetto che suona ancora come una campana

E vorrei che potessimo sederci sul letto in qualche motel

E ascoltare le storie che potremmo raccontare

 

Quindi se sei in viaggio, arrivando fin qui ogni sera

E canti per guadagnarti da vivere sotto le luci dai colori vivaci

E se mai ti chiedi perché sali su questa giostra

L’hai fatto per le storie che potresti raccontare

E oh, le storie che potremmo raccontare

E se tutto questo va a rotoli e finisce all’inferno

Riesco ancora a vederci seduti sul letto in qualche motel

Ad ascoltare le storie che potremmo raccontare

Riesco ancora a vederci seduti sul letto in qualche motel

Ad ascoltare le storie che potremmo raccontare

Where Everybody Knows Your Name

“Where Everybody Knows Your Name" è la sigla della sitcom televisiva Cheers (nota in Italia col titolo di “Cin Cin” con Ted Danson)), nonché il singolo di debutto di Gary Portnoy. La canzone fu scritta da Portnoy e Judy Hart-Angelo e interpretata da Portnoy nel 1982. Poco dopo la prima puntata di Cheers, Portnoy tornò in studio per registrare una versione più lunga del brano, che entrò nelle classifiche pop statunitensi e britanniche.

… Per farsi strada nel mondo di oggi

ci vuole tutto quello che uno ha

Prendersi una pausa da tutte le preoccupazioni

sarebbe sicuramente di grande aiuto

Non ti andrebbe di evadere un po’?

 

… Tutte quelle notti in cui non c’è luce

L’assegno è nella posta

E il tuo angioletto

Ha appeso il gatto per la coda

E il tuo terzo fidanzato non si è fatto vedere

 

… A volte vorresti andare

In un posto dove tutti conoscono il tuo nome

E sono sempre felici di vederti arrivare

Vorresti essere in un posto dove puoi vedere (ah-ah)

Che i nostri problemi sono tutti uguali (ah-ah)

Vorresti essere in un posto dove tutti conoscono il tuo nome

 

… Ti alzi dal letto, la macchina del caffè è fuori uso

La mattinata si preannuncia radiosa

E il tuo strizzacervelli è scappato in Europa

E non ti ha nemmeno scritto

E tuo marito vuole diventare una ragazza

Sii felice che ci sia un posto al mondo

 

… Dove tutti conoscono il tuo nome

E sono sempre contenti che tu sia arrivato

Vuoi andare dove la gente sa

Che le persone sono tutte uguali

Vuoi andare dove tutti conoscono il tuo nome

Paris 1919

Come si può intuire, il titolo della canzone e dell’album, “Paris 1919” (pubblicato da John Cale nel 1973), è un riferimento all’accordo di armistizio stipulato quell’anno, il Trattato di Versailles, le cui dure condizioni diedero il via a una serie di eventi che portarono all’ascesa al potere di Hitler e aprirono la strada a un’altra guerra mondiale.

A prima vista, la canzone racconta di un matrimonio fallito all’indomani della Prima guerra mondiale. La sposa non si è presentata alle nozze. Lo sposo è rimasto solo davanti all’altare, in preda al nervosismo per ovvie ragioni. Ora è tormentato dalla sua assenza, mentre lei si presenta a casa sua. Trascorre il tempo rimuginando sui suoi dubbi iniziali e sui segnali a cui, col senno di poi, avrebbe dovuto prestare maggiore attenzione. Il quadro che il protagonista dipinge è un intreccio tra astratto e quotidiano.

 “maids of honor singing crying singing tediously,”

I suoi pensieri tornano alle damigelle d’onore che cantano e piangono, alla chiesa dove aveva cercato di domarla, ai piccoli dettagli: le carovane di marmellata; la noia; i preparativi che lo avevano tenuto occupato; e le tradizioni a cui bisogna attenersi – come il modo corretto di rivolgersi a uno sposo abbandonato – che gli turbinano nella mente come fantasmi. Tutto questo si mescola alle immagini di guerra, sangue e lacrime provenienti dal Giappone.

“it’s the customary thing to say or do to a disappointed proud man in his grief”

Continua a mantenere le apparenze della buona educazione, pur trovandosi comprensibilmente in uno stato di crisi interiore. Bisogna mantenere le apparenze. Cercare di portare sua moglie in chiesa potrebbe essere stato un tentativo di domarla, o forse ha bisogno che la Chiesa esorcizzi la sua casa ora che lei non c’è più. È difficile capire se lei lo abbia lasciato o se sia morta.

La Grande Guerra era appena finita, con grande sollievo in tutta Europa, ma in realtà nulla era stato risolto. Il microcosmo rispecchia il macrocosmo. Lo sposo, come l’Europa, sembra sull’orlo di un crollo.

 (Riflessioni tratte dal sito Song of the Week)

Mi rende così insicuro

Se ne sta lì, ma non dice mai nulla di sensato

È solo una visitatrice, capisci

Con tanta voglia di farsi notare

Apriva le porte e, vagamente, ci portava via

È la cosa che si usa dire o fare

A un uomo orgoglioso e deluso nel suo dolore

E il venerdì era lì

Ma il lunedì non c’era affatto

Appariva solo di sfuggita dall’orologio dall’altra parte del corridoio

 

Sei un fantasma, la la la la la la la la la

Sei un fantasma, la la la la la la la la la

Io sono la chiesa e sono venuto

A reclamarti con il mio tamburo di ferro

La la la la la la

 

Il Continente è appena caduto in disgrazia

William, William, William Rogers l'ha rimesso al suo posto

Sangue e lacrime dal vecchio Giappone

Carovane e un sacco di marmellata

E le damigelle d'onore che cantano, piangono, cantano in modo noioso

 

Sei un fantasma, la la la la la la la la la

Sì, sei un fantasma, la la la la la la la la la

Sono il vescovo e sono venuto

A reclamarti con il mio tamburo di ferro

La la la la la la

Efficienza, efficienza, dicono tutti

Scopri la data e leggi l’ora del giorno

Mentre la folla comincia a lamentarsi

Di come il Beaujolais piova a fiotti

Sulle riunioni in penombra sugli Champs-Élysées

Sei un fantasma, la la la la la la la la la

Sei un fantasma, la la la la la la la la la

E io sono la chiesa e sono venuto

A reclamarti con il mio tamburo di ferro

La la la la la la

Sei un fantasma, la la la la la la la la la

Sei un fantasma, la la la la la la la la la

Io sono la chiesa e sono venuto

A reclamarti con il mio tamburo di ferro

La la la la la la

Sei un fantasma, la la la la la la la la la

Sei un fantasma, la la la la la la la la la

Io sono la chiesa e sono venuto

A reclamarti con il mio tamburo di ferro

La la la la la la

The Shape I'm In

„Shape I'm In“ è una canzone del gruppo “The Band”, scritta da Robbie Robertson e pubblicata sull’album “Stagefright” del 1970.

A seguito la traduzione di un articolo di D. L. Lewis dal sito dedicato al gruppo (The Band)

 

Il testo è relativamente diretto, ma merita una certa attenzione:

Go out yonder

Peace in the valley,

Come down town,

Got to rumble in the alley

Oh, you don't know, The Shape I'm In

Il testo, come spesso accade nelle canzoni della Band, è ricco di allusioni cristiane e bibliche: «Peace in the Valley» è uno dei grandi inni protestanti. (Per inciso, Elvis la cantò in una delle sue esibizioni al programma di Ed Sullivan). La mancanza di redenzione è dichiarata fin dalla prima strofa: il distico iniziale afferma che andando altrove si raggiungerebbe la pace. Tuttavia, essendo bloccati in città, è una lotta per la sopravvivenza. La moglie/fidanzata del protagonista se n'è andata, presumibilmente in preda alla disperazione, e questo non ha migliorato affatto la sua situazione:

Has anybody seen my lady?

This livin' alone will drive me crazy

E ancora una volta il ritornello è un grido lamentoso di frustrazione: «tu non sai in che stato mi trovo» – il «tu» è rivolto all'ascoltatore – l'ascoltatore non può sapere quanto sia grave la situazione.

La musica del bridge assume un tono ancora più malinconico. Il ritmo incalzante della band si subordina a una melodia incantevole. Nel primo bridge il cantante dice di voler «scendere verso l’acqua» (anche in questo caso, si noti l’allusione biblica: l’ascoltatore potrebbe pensare che si stia dirigendo verso il battesimo). Tuttavia, il cantante non è alla ricerca della redenzione - non ha intenzione di buttarsi: sta invece cercando il suo creatore, perché ha sentito dire che è lì che lei si trova. Si tratta di un richiamo a sua madre, o al dio femminilizzato? (Molte sette cristiane primitive consideravano lo Spirito Santo come una donna.) L'altra interpretazione, più cupa, è che stia per suicidarsi (incontrare il proprio creatore è stato a lungo un eufemismo per indicare la morte). Non la trova, o perché non ci va, o perché lei non è lì (o perché decide di non suicidarsi). Tuttavia, la sua situazione non migliora in conseguenza di queste azioni.

Il ritmo incalzante riprende. La situazione del cantante è disperata: delle nove vite che di solito si attribuiscono a un gatto, ne ha già consumate sette. Dispera di riuscire a uscirne: «E ora, come diavolo faccio ad arrivare in paradiso?». Non è chiaro nemmeno se per «paradiso» si intenda la dimora eterna dei giusti dopo la morte o semplicemente la «pace nella valle» qui sulla terra. Ciò che è chiaro è che il cantante vuole uscire completamente dalla sua situazione. Ciò suggerisce anche che stia vivendo all'inferno, e probabilmente è così.

Il secondo bridge racconta che il cantante ha appena scontato sessanta giorni di carcere, sostanzialmente per mancanza di soldi (o vagabondaggio). Ora che è fuori, sta commettendo un altro reato: è disoccupato e senza fissa dimora, e sta scontando una pena per il reato sociale (se non proprio legale) di «non avere un posto dove andare».

In un mondo del genere, hai solo due scelte: salvare te stesso o salvare chi ti sta vicino. Entrambe sono impossibili. La versione di *The Last Waltz* si ferma qui, ma l’originale e altre versioni aggiungono un’ultima strofa: due ragazzi potrebbero scatenare «un putiferio», perché «sentono che stai cercando di scaricarci». “Tu” ora non sei solo l'ascoltatore passivo della canzone, ma la ragione del malcontento e della frustrazione delle versioni precedenti. La colpa potrebbe essere della società: di certo i giovani disillusi la pensano così. Hai impedito la “pace nella valle”: non c'è da stupirsi che i giovani possano incanalare le loro energie nella violenza: sono stati messi da parte. In tutta onestà, è una costruzione goffa, ma il suo messaggio è chiaro. La Band raramente, se non mai, ha usato parole volgari nei propri testi (l'uso di parolacce era ed è un modo sicuro per impedire la messa in onda). È difficile evitare la conclusione che l'impreciso “shuck” non stia suggerendo un'altra parola. Tuttavia, “shuck” di per sé ha un certo valore linguistico. È un termine nordamericano che significa essere truffati o raggirati. Si tratta di un uso estremamente valido della parola. Ma anche quando il mais viene sbucciato, viene spogliato, utilizzato e il torsolo viene gettato via. Robertson comprende le frustrazioni degli strati più bassi della società: tra i grandi parolieri, solo Springsteen supera Robertson nell’era moderna per empatia e comprensione della povertà e delle difficoltà delle classi lavoratrici (anche se Robertson forse comprende i senzatetto e chi rischia di diventarlo meglio di Springsteen: la sua infanzia e quegli anni trascorsi in tour sono stati un maestro severo, ma efficace). ) Robertson assume una visione pessimistica in questa canzone - una visione più ottimistica è presente in “Life is a Carnival”, per esempio. Secondo Barney Hoskyns, “Shape I'm In” parlava esplicitamente dello stato d'animo di Richard Manuel in quel periodo.

I The Band, nonostante tutta la loro abilità tecnica e il loro autentico talento, spesso concludevano le canzoni in modo inconcludente. Le canzoni spesso finiscono e basta. «Shape I'm In» non fa eccezione, ma in questo caso il finale del brano (almeno nella registrazione originale) sottolinea e rafforza la disperazione della situazione. Inoltre, lascia la canzone (e quindi la storia) in sospeso.

 

Vai laggiù, dove la valle è in pace

Vieni in centro, c'è da fare un po' di casino nel vicolo

Oh, non sai in che stato mi trovo

 

Qualcuno ha visto la mia ragazza?

Vivere da solo mi farà impazzire

Oh, non sai in che stato mi trovo

 

Andrò giù vicino all'acqua

Ma non mi butterò dentro, no, no

Cercherò solo la mia vicina

 

E ho sentito che è lì che si trova, oh

Delle nove vite ne ho spese sette

Ora, come diavolo si fa ad arrivare in Paradiso?

Oh, non sai in che stato mi trovo

 

Ho appena passato 60 giorni in galera

Per il crimine di non avere un soldo, no, no

Ora eccomi qui, di nuovo per strada

Per il reato di non avere un posto dove andare

 

Salva te stesso o salva tuo fratello

Sembra che sia l'uno o l'altro

Oh, non sai in che stato mi trovo

 

Ora, due ragazzini potrebbero scatenare un putiferio

Sai che pensano che tu stia cercando di fregarci

Oh, non sai in che stato mi trovo

The Great Late Johnny Ace

Composta da Simon nel 1981, la canzone all'inizio parla della morte del cantante Johnny Ace, per poi riferirsi a John Lennon, assassinato davanti alla propria abitazione nel dicembre del 1980, e a John Fitzgerald Kennedy, ucciso nel 1963. L'anno successivo alla morte di Kennedy, scoppiò la Beatlemania nel mondo (all'epoca Simon viveva a Londra), e nel testo della canzone, egli cita sia i Beatles sia i Rolling Stones. Nel corso di un'intervista promozionale per Hearts and Bones, Simon disse che la morte di Ace era stata la "prima morte violenta che ricordasse", e notò che Kennedy e Lennon divennero i "Johnny Ace" delle rispettive epoche a causa del loro assassinio.

Il brano fu eseguito dal vivo per la prima volta da Paul Simon durante la reunion di Simon & Garfunkel nel concerto a Central Park del settembre 1981. Verso la fine della canzone, uno spettatore esagitato salì sul palco, facendo allontanare Simon dal microfono. L'intruso venne prontamente bloccato dalla sicurezza prima che potesse raggiungere Simon e fu sentito urlare: «I gotta talk to you, I gotta talk to you!» ("Devo parlarti, devo parlarti!"). Simon rimase visibilmente scosso — soprattutto perché il testo della canzone tratta di omicidi (e quello di Lennon era di recente memoria), ma continuò l'esibizione senza interruzioni portando a termine il brano.

Stavo leggendo una rivista

E pensavo a una canzone rock and roll

Era il 1954

E non suonavo da molto

Quando alla radio parlò un uomo

E questo è ciò che disse

Disse: «Mi dispiace dare questa notizia

Ai suoi fan

Ma Johnny Ace è morto»

 

Beh, in realtà non ero

proprio una grande fan di Johnny Ace

Ma mi dispiaceva lo stesso

Così ho chiesto che mi mandassero una sua foto

E ho aspettato che arrivasse

È arrivata direttamente dal Texas

Con un volto triste e semplice

E in fondo c'era la dedica:

«Dal compianto grande Johnny Ace»

 

Era l'anno dei Beatles

Era l'anno degli Stones

Era il 1964

Vivevo a Londra

Con la ragazza dell'estate precedente

Era l'anno dei Beatles

Era l'anno degli Stones

Un anno dopo l'assassinio di JFK

Stavamo svegli tutta la notte

E sprecavamo le giornate

E la musica scorreva

Incredibile

E mi travolgeva

 

In una fredda serata di dicembre

stavo passeggiando nel clima natalizio

quando uno sconosciuto mi si avvicinò e mi chiese

se avessi saputo che John Lennon era morto

E noi due

andammo in questo bar

e restammo lì fino alla chiusura

E ogni canzone che suonammo

era dedicata al compianto grande Johnny Ace

Done With Bonaparte

“Done with Bonaparte” è una canzone da “Golden Heart”, primo disco solista di Mark Knopfler uscito nel 1996.

A un primo ascolto si potrebbe pensare che Knopfler abbia adattato una vecchia ballata popolare del XIX secolo conferendogli un tocco celtico. In realtà, la canzone è una composizione interamente originale. Knopfler è giustamente celebrato come un grandissimo chitarrista, ma il suo talento nel raccontare storie attraverso i testi viene spesso sottovalutato. Questa canzone ne è un validissimo esempio. Il testo è raccontato dal punto di vista di un soldato stanco della guerra che è sopravvissuto alle brutali realtà della campagna di Russia di Napoleone. Il linguaggio e le immagini richiamano deliberatamente quell'epoca e danno l'impressione che la canzone possa essere stata scritta proprio in quel periodo.

Abbiamo pagato un prezzo altissimo da quando Mosca è andata in fiamme

Mentre i cosacchi ci fanno a pezzi

I nostri morti giacciono sparsi per centinaia di leghe

Anche se la morte sarebbe una dolce liberazione

E la nostra Grande Armée è vestita di stracci

Una banda di mendicanti affamati e congelati

Come topi, ci rubiamo a vicenda gli avanzi

E combattiamo corpo a corpo

 

Salva la mia anima dal male, Signore

E guarisci questo cuore di soldato

Confido in te, Signore, che mi proteggerai

Ne ho abbastanza di Bonaparte

 

Che sogni ci faceva sognare!

Cieli spagnoli, sabbie egiziane

Quel mondo era nostro, ci marciammo dentro

Al comando del nostro piccolo caporale

E persi un occhio ad Austerlitz

Quel colpo di sciabola, ancora oggi, mi fa male

Il mio unico vero amore mi aspetta ancora

Il fiore dell'Aquitania

 

Salva la mia anima dal male, Signore

E guarisci questo cuore di soldato

Confido in te, Signore, che mi proteggerai

Ne ho abbastanza di Bonaparte

 

Prego per colei che prega per me

Un ritorno sicuro nella mia bella Francia

Abbiamo pregato che queste guerre ponessero fine a tutte le guerre

Sappiamo bene che in guerra non c'è romanticismo

E prego che nostro figlio non debba mai più vedere

Un piccolo caporale

Che indica una costa straniera

E affascina i cuori degli uomini

 

Salva la mia anima dal male, Signore

E guarisci questo cuore di soldato

Confido in te, Signore, che mi proteggerai

Ne ho abbastanza di Bonaparte