In tedesco "übersetzen" è tradurre, ma anche traghettare; questa "strana barca" vuole quindi trasportare parole da una sponda all'altra di lingue diverse, sperando che non risentano troppo della traversata.
“Done
with Bonaparte” è una canzone da “Golden Heart”, primo disco solista di Mark
Knopfler uscito nel 1996.
A
un primo ascolto si potrebbe pensare che Knopfler abbia adattato una vecchia
ballata popolare del XIX secolo conferendogli un tocco celtico. In realtà, la
canzone è una composizione interamente originale. Knopfler è giustamente
celebrato come un grandissimo chitarrista, ma il suo talento nel raccontare
storie attraverso i testi viene spesso sottovalutato. Questa canzone ne è un validissimo
esempio. Il testo è raccontato dal punto di vista di un soldato stanco della
guerra che è sopravvissuto alle brutali realtà della campagna di Russia di
Napoleone. Il linguaggio e le immagini richiamano deliberatamente quell'epoca e
danno l'impressione che la canzone possa essere stata scritta proprio in quel
periodo.
Abbiamo pagato un prezzo altissimo da quando Mosca
è andata in fiamme
Mentre i cosacchi ci fanno a pezzi
I nostri morti giacciono sparsi per centinaia di
leghe
Anche se la morte sarebbe una dolce liberazione
E la nostra Grande Armée è vestita di stracci
Una banda di mendicanti affamati e congelati
Come topi, ci rubiamo a vicenda gli avanzi
E combattiamo corpo a corpo
Salva la mia anima dal male, Signore
E guarisci questo cuore di soldato
Confido in te, Signore, che mi proteggerai
Ne ho abbastanza di Bonaparte
Che sogni ci faceva sognare!
Cieli spagnoli, sabbie egiziane
Quel mondo era nostro, ci marciammo dentro
Al comando del nostro piccolo caporale
E persi un occhio ad Austerlitz
Quel colpo di sciabola, ancora oggi, mi fa male
Il mio unico vero amore mi aspetta ancora
Il fiore dell'Aquitania
Salva la mia anima dal male, Signore
E guarisci questo cuore di soldato
Confido in te, Signore, che mi proteggerai
Ne ho abbastanza di Bonaparte
Prego per colei che prega per me
Un ritorno sicuro nella mia bella Francia
Abbiamo pregato che queste guerre ponessero fine a
tutte le guerre
Sappiamo bene che in guerra non c'è romanticismo
E prego che nostro figlio non debba mai più vedere
“Late in the Evening” è una canzone del cantautore americano
Paul Simon. È stata il singolo principale del suo quinto album in studio,
*One-Trick Pony* (1980).
Simon eseguì la canzone due volte con Art Garfunkel durante
il loro concerto di reunion del 1981 a Central Park, a New York City.
“Late in the Evening” è una canzone del cantautore americano
Paul Simon. È stata il singolo principale del suo quinto album in studio,
*One-Trick Pony* (1980).
Simon eseguì la canzone due volte con Art Garfunkel durante
il loro concerto di reunion del 1981 a Central Park, a New York City.
Nelle quattro strofe il protagonista ricorda quattro
distinti momenti della sua vita, tutti legati dal filo conduttore della musica
che, in una riuscita immagine, “filtra attraverso”. Nella prima il suono
proveniente dalla radio si mischia con la risata della madre e giunge al
protagonista che è ancora nella primissima infanzia; il suo ricordo più antico.
Poi accompagna le prime scorribande da ragazzino nel quartiere, mentre nella
terza strofa diviene egli stesso l’artefice: è lui, ancora minorenne a riempire
il locale di musica. Infine rammenta il primo incontro col suo grande amore;
era sera tardi, e la musica si diffondeva tutto attorno.
La prima cosa che ricordo
è che ero sdraiato nel mio letto
Non avrò avuto più di uno o due anni
E ricordo che c'era una radio
che proveniva dalla stanza accanto
E mia madre rideva
come fanno certe signore
quando è tarda sera
e la musica filtra attraverso le pareti
La cosa successiva che ricordo
è che sto camminando per strada
Mi sento bene
Sono con i miei amici, sono con la mia banda, sì
E lungo il viale
alcuni ragazzi stavano giocando a biliardo
E ho sentito il suono di gruppi a cappella, sì
che cantavano a tarda sera
E tutte le ragazze sedute sulle scalinate
Poi ho imparato a suonare un po' la chitarra
solista
Ero minorenne in quel bar dall'atmosfera funky
E sono uscito a farmi una canna
E quando sono tornato nella sala
Sembrava che tutti si muovessero
Ho alzato il volume dell'amplificatore e ho
iniziato a suonare
Era già tarda sera
E ho mandato in delirio quella sala
La prima cosa che ricordo
Quando sei entrata nella mia vita
Ho detto che avrei conquistato quella ragazza a
qualsiasi costo
Beh, immagino di essermi già innamorato in passato
La
canzone descrive la difficile situazione di un musicista in rovina, la cui
carriera lo ha portato a esibirsi nella città di Lodi, in California. Dopo aver
suonato nei bar locali, il narratore si ritrova bloccato lì, incapace di
racimolare i soldi per il biglietto dell'autobus o del treno per andarsene.
John Fogerty ha spiegato la genesi della canzone nella sua autobiografia:
Per
molto tempo “Lodi” era rimasto solo un titolo. L'ispirazione mi era venuta da
quei viaggi con mio padre in quelle piccole cittadine della California
centrale, un posto che mi trasmetteva un senso di calore e che consideravo
speciale... In qualche modo mi venne in mente l'idea di un musicista
itinerante, probabilmente un tipo da musica country, ma più anziano. Un uomo la
cui carriera è ormai alle spalle. Il punto cruciale è: “Oh Signore, bloccato a
Lodi... di nuovo!”. Quel “Oh Signore” ti fa capire come si sente. Avevo
ventitré anni quando ho scritto questa canzone, ero un ragazzo molto giovane
che aveva appena avuto un singolo da un milione di copie vendute [“Proud Mary”]
in tutte le radio. Questo non ha nulla a che vedere con la fonte da cui attingi
quando crei.
Fogerty
ha anche aggiunto: «In “Lodi” vedevo una persona molto più anziana di me,
perché è una sorta di racconto tragico. Un tizio è bloccato in un posto dove la
gente non lo apprezza affatto. Dato che ero all’inizio di una carriera
promettente, speravo che a me non succedesse».
Fogerty
ha poi dichiarato di non aver mai visitato Lodi prima di scrivere la canzone, e
di averla scelta semplicemente perché aveva «il nome che suonava più cool». Il ritornello della canzone, «Oh
Lord, stuck in Lodi again», è stato il tema di diversi eventi cittadini a Lodi.
La canzone, inserita nell'album "Green River", fu pubblicata per la prima volta come lato B del singolo "Bad Moon Rising" nell'aprile del 1969.
Apparsa per la prima volta in «Fisherman’s Blues», Scott ha rivisitato e impreziosito ulteriormente questa meravigliosa canzone diversi anni dopo. Con questo splendido brano, Scott si addentra nel mistero dell’amore per il divino, evocando nel contempo lo spirito di uno dei suoi modelli, Hank Williams.
Tu
soltanto, che sei
Tu nel
cielo
Voglio
sapere perché le nuvole si frappongono tra te e me
Tu
solo, che sei
Tu nel
cielo
Voglio
sapere perché le nuvole si frappongono tra te e me
La tua bellezza è grande
E io mi sento fortunato
Nella tua preziosa presenza, mi sento sollevato
(whoo)
Fammi sentire la tua presenza
Vieni da me
Apri il mio cuore
E canta la tua canzone attraverso di me
Fammi sentire la tua presenza
Vieni da me
Apri il mio cuore
E canta la tua canzone attraverso di me
Tu nel
cielo
Voglio
sapere perché le nuvole si frappongono tra te e me
Secondo
Michael Stipe, frontman dei REM, «Losing My Religion» non parla affatto di
qualcuno che perde la fede, ma di un amore non corrisposto. Ha spiegato che
quella frase è un’espressione comune nel sud degli Stati Uniti «che significa
perdere la calma o la compostezza, oppure sentirsi frustrati e disperati».
Il
significato di questa canzone (secondo quanto dichiarato ufficialmente dallo
stesso Stipe) riguarda l'amore non corrisposto. (La persona che racconta questa
storia ama qualcuno che non prova alcun interesse per lui).
È
una canzone piuttosto triste, che trasmette una forte sensazione di
solitudine.“Oh, la vita è più grande. È
più grande di te”.
"Every
whisper / Of every waking hour / I'm Choosing my confessions / Trying to keep
an eye on you / Like a hurt, lost and blinded fool / Oh no I've said too much I
set it up"
In
questa parte il protagonista si apre ancora di più. È ossessionato da quella
persona, la tiene costantemente d'occhio: non riesce a pensare ad altro che a
lei e si sente “perso” e “accecato” quando non sa cosa sta facendo o con chi si
trova. “Ha detto troppo” ma “non ha detto abbastanza” - sta raccontando ai suoi
compagni e amici più di quanto dovrebbe sui suoi sentimenti per questa persona,
ma non alla persona stessa.
Oh vita, è più grande
È più grande di te
E tu non sei me
Fino a dove mi spingerò
La distanza nei tuoi occhi
Oh no, ho detto troppo
Ho detto abbastanza
Quello nell'angolo sono io
Quello sotto i riflettori sono io
Sto perdendo la calma
Cerco di starti dietro
E non so se ce la farò
Oh no, ho parlato troppo
Non ho detto abbastanza
Mi è sembrato di sentirti ridere
Mi è sembrato di sentirti cantare
Mi sembra di averti visto provare
Ogni sussurro
Di ogni ora della giornata
Sto scegliendo le mie confessioni
Cercando di tenerti d'occhio
Come uno sciocco ferito, smarrito e accecato,
sciocco
Oh no, ho detto troppo
Ho detto abbastanza
Pensaci
Pensaci, è il suggerimento del secolo
Pensaci, è stato quel passo falso
Che mi ha messo in ginocchio, mi ha fatto fallire
E se tutte queste fantasie avanzassero dimenandosi
“People Who Died” è la canzone più famosa del poeta
e leader della band Jim Carroll. È la quinta traccia del suo album post-punk
del 1980 “Catholic Boy”. Il titolo parla da sé. Carroll elenca, a volte con
tono umoristico, tutte le persone che ha conosciuto e che sono morte, che sia
per incidente, malattia, suicidio o omicidio.
Teddy sniffava colla, aveva dodici anni
Cadde dal tetto al numero 29 di East Street
Cathy aveva undici anni quando si tolse la vita
Dopo aver ingerito ventisei pastiglie di
anfetamine e una bottiglia di vino
Bobby si ammalò di leucemia, a quattordici anni
Sembrava un sessantacinquenne quando morì
Era un mio amico
Quelle sono persone che sono morte, morte
Quelle sono persone che sono morte, morte
Quelle sono persone che sono morte, morte
Quelle sono persone che sono morte, morte
Erano tutti miei amici e sono morti
G-berg e Georgie hanno lasciato che le loro
stravaganze li rovinassero
Così sono morti di epatite nell'Upper Manhattan
Sly in Vietnam, una pallottola in testa
Bobby è morto per overdose di Drano la notte del
suo matrimonio
Erano altri due miei amici (altri due amici che
sono morti)
Quelle sono persone che sono morte, morte
Quelle sono persone che sono morte, morte
Quelle sono persone che sono morte, morte
Quelle sono persone che sono morte, morte
Erano tutti miei amici e sono morti
Mary si è buttata dal balcone di una camera
d’albergo
Bobby si è impiccato in una cella del carcere The
Tombs
Judy si è gettata sotto un treno della metropolitana
A Eddie gli hanno tagliato la giugulare
E Eddie, mi manchi più di tutti gli altri
E ti rendo omaggio, fratello
Quelle sono persone che sono morte, morte
Quelle sono persone che sono morte, morte
Quelle sono persone che sono morte, morte
Quelle sono persone che sono morte, morte
Erano tutti miei amici e sono morti
Herbie ha spinto Tony giù dal tetto del Boys' Club
Tony pensava che la sua rabbia fosse solo una
sciocchezza
Ma Herbie gli ha dato una prova schiacciante
Ehi, ha detto Herbie, Tony, sai volare?
Ma Tony non sapeva volare, Tony è morto
Quelle sono persone che sono morte, morte
Quelle sono persone che sono morte, morte
Quelle sono persone che sono morte, morte
Quelle sono persone che sono morte, morte
Erano tutti miei amici e sono morti
Brian è stato arrestato con l'accusa di traffico
di droga
Ha scampato la condanna facendo la spia su alcuni
motociclisti
“Hell’s Ditch” è una canzone dei Pogues, presente sull’album
omonimo, pubblicato nel 1990. Nel brano, scritto da Shane MacGowan e Jem Finer,
viene affrontata, con il loro tipico stile crudo e diretto, la vita e l'opera
di Jean Genet, leggenda letteraria omosessuale francese e frequentatore assiduo
delle carceri. Genet ha avuto un'influenza evidente sui testi crudi e vividi di
MacGowan, anche se versi come “Il tizio nella cuccetta di sopra si sente male /
Nella cella accanto il pazzo / Comincia a urlare chiamando sua madre…”
potrebbero essere stati ispirati tanto dalle esperienze adolescenziali di
MacGowan in un ospedale psichiatrico quanto dagli scritti del francese.
Girone infernale
La vita è una merda, poi si muore
Inferno nero
Il fossato dell'inferno: libertà nuda e urlante
Le mani dell'assassino sono incatenate
Alle sei di sera comincia a piovere
Non vedrà mai più l'alba
Nostra Signora dei Fiori
Genet sta toccando il cazzo di Ramon
Il tizio nella cuccetta di sopra sta male
Nella cella accanto, il pazzo
Comincia a gridare chiamando sua madre
Dildo nero, inferno nero,
Mentre i poliziotti spagnoli prendevano in giro il
mio gel
"Picture Show" è una canzone di John
Prine, dal disco “The Missing Years” del
1991. Il brano di apertura dell'album (con Tom Petty ai cori), riflette l'amore
che Prine ha sempre nutrito per il cinema e cita John Garfield, James Dean e
Montgomery Clift.
Un giovane proveniente da una piccola città
Con una grande immaginazione
Giaceva solo nella sua stanza con la radio accesa
Alla ricerca di un'altra stazione
Quando il rumore statico proveniente dal microfono
Lasciò spazio al suono sottostante
James Dean andò a Hollywood
E mise la sua foto in un cinematografo
James
Dean andò a Hollywood
E mise la sua foto in un Picture Show
E allora avanti papà, in piedi!
Mamma, perché te ne sei andata?
Il tuo adorato Jim è in difficoltà.
Ho messo la mia foto in un film.
Whoa Ho! Ho messo la mia foto in un film.
E ha messo la sua foto in un film.
James Dean è andato a Hollywood
E ha messo la sua foto in un film.
Hamburger Cheeseburger
Wilbur
e Orville Wright
John Garfield nel pomeriggio
Montgomery Clift di notte
Quando le interferenze colpirono il microfono
Lasciarono spazio al suono sottostante
James Dean andò a Hollywood
E mise la sua foto in un cinematografo.
E allora avanti papà, in piedi!
Mamma, perché te ne sei andata?
Il tuo adorato Jim è in difficoltà.
Ho messo la mia foto in un film.
Whoa Ho! Ho messo la mia foto in un film.
E ha messo la sua foto in un film.
James Dean è andato a Hollywood
E ha messo la sua foto in un film.
Un indiano Mocca in una capanna di pelli seduto in una riserva.
Con un grande buco nero nell'anima
In attesa di una spiegazione
Mentre l'uomo bianco se ne sta seduto sul suo
grasso sedere
"Bertha", da un articolo di David Dodd su Dead.net.
“Bertha”. Come mai mi ci sono volute 90 settimane per
arrivare a ‘Bertha’? Lo so... ho ancora molta strada da fare prima che il
bagaglio di brani musicali si esaurisca. Ma ‘Bertha’ è così essenziale, così
spesso suonata e così gioiosamente accolta – almeno in tutti i concerti a cui
ho assistito – che mi sento in colpa.
“Bertha” è un altro brano che mi piace considerare parte di
un album studio mai registrato, ovvero di canzoni che non sono mai state
lavorate in studio. Ne ho già parlato in passato, ma credo che, trattandosi di
uno dei miei concetti preferiti, meriti una breve sintesi. Mi riferisco alle
canzoni post-American Beauty e pre-Wake of the Flood che costituiscono gran
parte dei due album live, Skull and Roses (per mancanza di un titolo più
appropriato...) ed Europe '72. Questa serie di canzoni approfondisce ed esplora
ulteriormente la “vecchia, strana America” di molte delle canzoni di
Workingman's Dead e American Beauty. Mi piace l'idea che un giorno, forse,
potrebbero essere registrate in studio come un vero e proprio “album” di
canzoni - ricordate quel concetto?
“Bertha” cattura ancora una volta uno dei personaggi
adorabili ma in qualche modo oppressi o sfortunati di Hunter, ribelle (“perché
non mi arresti?”) e maldestro (“ho sbattuto contro un albero...”) nello spazio
di una canzone. Tutti abbiamo i nostri momenti, giusto?
“Bertha” ha sofferto a lungo di quella che ora sembra essere
una disinformazione, che potrebbe rientrare nella categoria “non fidarti mai di
un burlone (prankster)”. Da
un'intervista citata da Alex Allan nella deadsongs conference sul WELL::
Intervistatore: E Bertha? È vero che era una ventola? Una
ventola elettrica?
Robert Hunter: No, questo è successo dopo. Non so da dove
venga questa storia... Credo che abbiano iniziato a chiamare così quel
ventilatore nell'ufficio che girava vorticosamente cercando di catturare tutti
e tagliargli le dita. Hanno iniziato a chiamarlo Bertha. Ma no, non è vero.
Bertha, credo, abbia probabilmente un significato più vago legato alla nascita,
alla morte e alla reincarnazione. Il ciclo delle esistenze, qualcosa di assurdo
del genere. Non mi sorprenderebbe, ma d'altra parte potrebbe anche non essere
così. Non ricordo.
Ok, quindi Hunter allude, in questo breve e piuttosto vago
frammento di intervista, a una possibilità completamente diversa. “Nascita
(gioco di parole con “birth” ‘Bertha’), morte e reincarnazione”.
Questa è una di quelle canzoni che possono essere ascoltate,
interpretate e analizzate a tal punto da risultare quasi ridicole. Ho letto
un'argomentazione piuttosto convincente secondo cui la canzone sarebbe in
realtà un riferimento a L'amante di Lady Chatterley, di D.H. Lawrence. E ci
sono molte speculazioni sul possibile significato delle parole “mi sono vestito
di verde, sono sceso al mare”. Quante tradizioni, quanto folklore sul colore
verde!
Ma ecco Hunter, che dà credito a una delle versioni
alternative più oscure di un testo che io conosca. Il distico è “Ran into a
rain-storm / Ducked into a bar door” (Mi sono imbattuto in un temporale / Mi
sono rifugiato nella porta di un bar). Nel corso degli anni, molte persone mi
hanno detto di aver sentito questa frase in un paio di modi alternativi. Io
stesso ho sentito anche “Mi sono rifugiato a Novato”, che è una città a circa
10 miglia a sud di dove vivo, che per un certo periodo è stata la sede della
band. In effetti, stranamente, e contrariamente a tutte le altre fonti
pubblicate, la stessa pagina dei testi di dead.net (link in cima a questo post)
cita la frase in questo modo. Quindi forse questo ha un certo valore.
Tuttavia, l'interpretazione che meglio si adatta alla
dichiarazione piuttosto svogliata di Hunter sulla reincarnazione è quella che
recita: “si è rifugiato in un bardo”. Un bardo! Si tratta di un concetto del
buddismo tibetano secondo cui esiste uno stato intermedio tra due esistenze,
uno spazio tra le incarnazioni. Tra una vita e l'altra.
In questa interpretazione del verso, l'intera canzone si
trasforma nell'avventura di un'anima in viaggio verso una nuova vita. Piuttosto
che approfondire troppo la questione, mi limiterò a proporla come spunto di
riflessione.
Supponiamo che sia in realtà la porta di un bar quella in
cui il cantante si rifugia. Allora la canzone parla di qualcuno in fuga dalla
finestra di qualcuno: cosa poteva fare il cantante alla finestra di qualcuno,
sotto la pioggia battente, in un territorio sconosciuto (“sbattere contro un
albero”)?
Ancora una volta, uno scenario piuttosto interessante, con
una moltitudine di storie che si diramano in ogni direzione.
E, se si trattasse di un bar, allora c'è l'ulteriore
ambiguità delle parole “all night pouring, but not a drop on me” (tutta la
notte a versare, ma non una goccia su di me), che potrebbero riferirsi sia alla
pioggia che cade, sia alle bevande che vengono versate nel bar. In tal caso, se
davvero non hanno versato nella direzione del cantante, lui è perfettamente
pronto a sottoporsi al test di sobrietà: “Testami, testami...”
Tante direzioni diverse di pensiero, da una piccola frase e
dalle sue possibili varianti di interpretazione. Questo è esattamente ciò che
amo di queste cose: tutto sembra vero, possibile e corretto, a seconda del
proprio stato d'animo o del proprio background nel momento in cui si ascolta o
si canta la canzone.
Se è una canzone che parla di nascita, morte e reincarnazione,
allora è sicuramente una canzone rock, per nulla sognante, che tratta questi
argomenti.
Questa canzone è tutta incentrata sul ballo: quando veniva
suonata, il pubblico “doveva muoversi”, e in grande stile. Nel corso degli anni
ho apprezzato le diverse interpretazioni: le variazioni di tempo da medio a
veloce; i momenti in cui “why don't you arrest me?” diventava un grido di
battaglia che provocava un boato enorme da parte del pubblico (come quando
Garcia la cantò per la prima volta dopo essere stato arrestato per possesso di
cocaina al Golden Gate Park); l'enfasi coordinata sul secondo, terzo o quarto
impulso della misura guidata da Weir dietro il canto di Jerry: tutto questo
contribuiva a rendere ogni esecuzione della canzone un'avventura.
E la parte più divertente: il finale. Quante volte Jerry
canterà “any more” questa volta? Qualcuno deve sapere se variava davvero così
tanto come sembrava, o se durava così a lungo come sembrava a volte.
Ho corso a fatica, scappando dalla tua finestra.
Ho corso tutta la notte, correndo, Signore, mi
chiedo se ti importi,
Ho corso, corso e corso fino allo sfinimento.
Ho corso dietro l'angolo, dietro l'angolo,
Signore, e sono finito contro un albero.
Dovevo muovermi, dovevo davvero muovermi,
Ecco perché, se ti fa piacere, sono qui in
ginocchio,
Bertha, non venire più da queste parti.
Mi sono vestito di verde e sono sceso fino al
mare.
Ho cercato di capire cosa stesse succedendo, ho
cercato di leggere tra le righe.
Avevo la sensazione di cadere, cadere, cadere.
Mi sono voltato per guardare e ho sentito una voce
che chiamava, Signore, stavi venendo a cercarmi
Dovevo muovermi, dovevo davvero muovermi,
Ecco perché, se ti fa piacere, sono qui in
ginocchio,
Bertha, non venire più da queste parti.
Mi sono imbattuto in un temporale, mi sono
rifugiato a Novato.
Piove tutta la notte, piove, piove,
Signore, ma su di me non cade nemmeno una goccia.
Mettimi alla prova, mettimi alla prova,
Mettimi alla prova, mettimi alla prova, mettimi
alla prova,
Perché non mi arresti?
Buttami in prigione,
Signore, fino al tramonto, fino al tramonto.
Dovevo muovermi, dovevo davvero muovermi,
Ecco perché, se ti fa piacere, sono qui in
ginocchio,
“Stagger
Lee”, conosciuta anche come ‘Stagolee’ e altre varianti, è una famosa canzone
folk americana che racconta dell'omicidio di Billy Lyons da parte di “Stag” Lee
Shelton, avvenuto a St. Louis, nel Missouri, nel Natale del 1895. La canzone fu
pubblicata per la prima volta nel 1911 e registrata nel 1923 dai Fred Waring's
Pennsylvanians con il titolo “Stack O' Lee Blues”.
Lo
storico Stagger Lee era Lee Shelton, un magnaccia afroamericano che viveva a
St. Louis, nel Missouri, alla fine del XIX secolo. Era soprannominato Stag Lee
o Stack Lee, con una varietà di spiegazioni: gli fu dato il soprannome perché
“andava da solo” (partecipava a eventi sociali senza essere accompagnato da una
persona del sesso opposto); presero il soprannome da un famoso capitano di
battello fluviale chiamato Stack Lee; oppure, secondo John e Alan Lomax, presero
il nome da un battello fluviale di proprietà della famiglia Lee di Memphis
chiamato Stack Lee, noto per la prostituzione a bordo. Shelton era ben noto a
livello locale come uno dei Macks, un gruppo di protettori che attiravano
l'attenzione per i loro abiti e il loro aspetto appariscenti
La
notte di Natale del 1895, Shelton e il suo conoscente William “Billy” Lyons
stavano bevendo al Bill Curtis Saloon. Anche Lyons era un membro della malavita
di St. Louis e potrebbe essere stato un rivale politico e commerciale di
Shelton. Alla fine, i due uomini litigarono e Lyons prese il cappello Stetson
di Shelton. Successivamente, Shelton sparò a Lyons, recuperò il cappello e se
ne andò. Lyons morì per le ferite riportate e Shelton fu accusato, processato e
condannato per omicidio nel 1897. Fu rilasciato sulla parola nel 1909, ma tornò
in prigione nel 1911 per aggressione e rapina. Morì in carcere nel 1912.
Il
crimine entrò rapidamente nel folklore americano e divenne oggetto di canzoni,
racconti popolari e canti da osteria.
La versione di Mississippi John Hurt, registrata nel 1928, è
considerata da molti come quella definitiva. Nella sua versione, come in tutti
i brani di questo genere, ci sono molte varianti (a volte anacronistiche) nel
testo.
[Intro parlato]
Stagolee era un uomo cattivo.
Una notte scesero in una miniera di carbone
per rapinarla.
Laggiù si giocava d'azzardo.
Si posizionarono proprio come volevano,
in modo da non colpirsi a vicenda quando avrebbero
sparato.
I soldi erano sparsi sul pavimento.
C'era un uomo cattivo lì sotto, o almeno così
pensava lui.
Era Billy De Lyon.
Aveva una grossa calibro 45 accanto a sé.
Quando si sistemarono, Stagolee gli parlò.
Disse: “Ragazzi, guardate i soldi sparsi sul
pavimento”.
Disse: “Cosa facciamo se il vecchio Stagolee e gli
altri entrano qui dentro?”.
Questo tizio ha preso la sua calibro 45 e ha
detto:
“Ah, non farebbe alcuna differenza”.
Ha detto: “La pistola di Stag non spara più forte
di questa”.
In quel momento, Stag gli ha fatto cadere il
cappello.
E il suo socio si è occupato del resto.
Quando gli ha fatto cadere il cappello,
si è ricordato che quello era Stagolee.
Agente di polizia, com'è possibile?
Puoi arrestare chiunque tranne il crudele
Stagolee.
Quel malvagio, oh, crudele Stagolee.
Lui disse: “Stagolee, Stagolee, ti prego, non
uccidermi”.
Disse: “Ho due bambini piccoli e una moglie che mi
ama”.
È un uomo malvagio, oh, crudele Stagolee.
[parlato]
Questa fu la risposta di Stagolee
“Che mi importa dei tuoi due bambini, cara moglie adorata?”
Dice: “Mi hai rubato il cappello Stetson, sono
costretto a toglierti la vita”
È un cappello magico, oh, crudele Stagolee
Boom, boom, boom, boom, con una quarantaquattro
Quando ho visto il povero Billy De Lyon, era
disteso sul pavimento
Quel cattivo uomo, oh crudele Stagolee
“Signori della giuria, cosa ne pensate?”
Dice: “Stagolee ha ucciso Billy de Lyon per un
cappello Stetson da cinque dollari”
È un uomo cattivo, oh, crudele Stagolee
In piedi sul patibolo, Stagolee ha maledetto
Il giudice ha detto: “Uccidiamolo, perché ha
ucciso alcuni di noi”
Basata
sulla canzone tradizionale “Stagger Lee”, ‘Stagolee’ o “Stack O'Lee”. Robert
Hunter ne scrisse una versione che eseguì da solista, e Jerry Garcia
successivamente riorganizzò il testo e riscrisse la musica per la versione dei
Grateful Dead.
“Stagger
Lee”, conosciuta anche come ‘Stagolee’ e altre varianti, è una famosa canzone
folk americana che racconta dell'omicidio di Billy Lyons da parte di “Stag” Lee
Shelton, avvenuto a St. Louis, nel Missouri, nel Natale del 1895. La canzone fu
pubblicata per la prima volta nel 1911 e registrata nel 1923 dai Fred Waring's
Pennsylvanians con il titolo “Stack O' Lee Blues”.
Lo
storico Stagger Lee era Lee Shelton, un magnaccia afroamericano che viveva a
St. Louis, nel Missouri, alla fine del XIX secolo. Era soprannominato Stag Lee
o Stack Lee, con una varietà di spiegazioni: gli fu dato il soprannome perché
“andava da solo” (partecipava a eventi sociali senza essere accompagnato da una
persona del sesso opposto); presero il soprannome da un famoso capitano di
battello fluviale chiamato Stack Lee; oppure, secondo John e Alan Lomax,
presero il nome da un battello fluviale di proprietà della famiglia Lee di
Memphis chiamato Stack Lee, noto per la prostituzione a bordo. Shelton era ben
noto a livello locale come uno dei Macks, un gruppo di protettori che
attiravano l'attenzione per i loro abiti e il loro aspetto appariscenti
La
notte di Natale del 1895, Shelton e il suo conoscente William “Billy” Lyons
stavano bevendo al Bill Curtis Saloon. Anche Lyons era un membro della malavita
di St. Louis e potrebbe essere stato un rivale politico e commerciale di
Shelton. Alla fine, i due uomini litigarono e Lyons prese il cappello Stetson
di Shelton. Successivamente, Shelton sparò a Lyons, recuperò il cappello e se
ne andò. Lyons morì per le ferite riportate e Shelton fu accusato, processato e
condannato per omicidio nel 1897. Fu rilasciato sulla parola nel 1909, ma tornò
in prigione nel 1911 per aggressione e rapina. Morì in carcere nel 1912.
Il
crimine entrò rapidamente nel folklore americano e divenne oggetto di canzoni,
racconti popolari e canti da osteria.
La storia
nella versione di Hunter e dei Grateful Dead si concentra sulle ore romanzate
successive alla morte di “Billy DeLyon”, quando la moglie di Billy, Delia,
rintraccia Stagger Lee in un saloon locale e “gli spara nelle palle” per
vendicare la morte di Billy.
1940, vigilia di Natale, con la luna piena sulla
città.
Stagger Lee sparò a Billy DeLyon e uccise quel
povero ragazzo (è un pazzo).
Sai perché gli sparò, cosa ne pensi?
Perché Billy DeLyon lanciò i dadi fortunati e
vinse il cappello di Stagger Lee (un pazzo).
Baio, Baio, dimmi come può essere
Arrestate le ragazze perché si prostituiscono, ma
avete paura di Stagger Lee.
Stagger Lee è un pazzo, ha ucciso il mio Billy.
Baio, vai a prenderlo, o lascia fare a me.
Delia, Delia, cara dolce Delia D.
Come diavolo posso arrestarlo, quando è due volte
più grosso di me?
Beh, non chiedermi di andare in centro, non
tornerei vivo.
Non solo quel bastardo è grosso, ma ha anche una
quarantacinque.
Baio, disse Delia, dammi solo una pistola.
Ha ucciso il mio Billy e ora voglio vederlo
impiccato.
Ella guadò il sangue di Billy DeLyon per
raggiungere il club di DeLyon.
Si avvicinò a Stagger Lee al bar e gli disse:
“Amore, comprami un gin fizz”.
Mentre Stagger Lee accendeva una sigaretta, lei
gli sparò nelle palle
Soffiò via il fumo dalla sua pistola e lo fece
trascinare al municipio.
Baio, Baio, vedrai che lo impiccheranno.
Ha ucciso il mio Billy e ora deve morire.
Delia andò a passeggiare lungo Singapore Street.
Una band di tre elementi all'angolo suonava
“Nearer My God to Thee”.
Ma Delia fischiettava una melodia diversa, quale
melodia poteva essere?
La canzone che cantava quella donna era “Look Out
Stagger Lee”.
La canzone che cantava Delia era “Look Out Stagger
Lee”.
“Playing
in the Band” è una canzone dei Grateful Dead. Il testo è stato scritto da
Robert Hunter e la musica è stata composta dal chitarrista ritmico Bob Weir,
con l'aiuto del percussionista Mickey Hart. La canzone è apparsa per la prima
volta in forma embrionale nell'omonimo album live dei Grateful Dead del 1971.
Successivamente è apparsa in una versione più rifinita in Ace, il primo album
solista di Bob Weir (che includeva tutti i membri dei Grateful Dead tranne Ron
“Pigpen” McKernan e Mickey Hart).
Da
allora è diventata una delle canzoni più famose dei Grateful Dead e una parte
fondamentale del loro repertorio.
